admin, Author at The Wellbeing Project

Mohau Modisakeng’s work for The Wellbeing Summit for Social Change takes the form of a multi-channel video installation composed of individual screens each depicting a water drumming sequence performed in unison by half-submerged bodies standing in a body of water.

Location: Euskalduna
OPEN TO THE PUBLIC. Visits available upon pre-registration only.
Date: May 31 – June 3

A group of men and women (individually framed by the screens) perform the drumming routine with their cupped hands and fists, which produce different sounds when they strike the surface of the water. These actions, all performed in unison, create a chorus of sounds characterised by the splashing and dripping of water which is reminiscent of the sonic landscape of the ocean and its crushing waves.

The work will also involve a live choreographed dance performance revolving around large galvanised baths filled to the brim with water.

HEALING & THE DRUM

The project explores the correlation between the drum (song, and chant or Ingoma in isiZulu), the ocean, and ancestral memory in the African context. The work conflates the metaphor of drumming as a means of communicating across time, space, and dimensions, with the metaphor of the ocean as a place of prophecy and healing, and a repository of ancestral memory.

As a percussion Instrument, the drum has historically been used in the African context as a means of communication; a type of sonic telegram used to send messages back and for the between far-off neighbouring communities. The drum is also an instrument of ritual practice in the African context. It is played at various cultural and spiritual gatherings often marking moments of divination, mourning, healing, and celebration in a community.

The ocean has been witness to the mass displacement/passage of people moving between continents for many centuries. Some voyages taken for exploration or colonial enterprise, some for escape from persecution, some seeking refuge, and for many others the ocean represents the threshold between home and exile, freedom and bondage.

For the black Atlantic, the ocean simultaneously represents a place of trauma. The Trans-Atlantic slave trade alone is responsible for the mass-displacement of millions of lives which were uprooted and lost in-transit to the new world. For people of African heritage, the ocean also represents a place of ancestral memory and healing. In the African context baptisms, Sangoma initiations, and other cleansings rituals are regularly performed at the ocean where various spirits are thought to reside.

THE WATER DRUMMER conflates the metaphor of drumming as a means to communicate across space and time, and the ocean as the drum or a type of portal into the realm of ancestral memory and spirits as mediated by the sea and its currents.

ESPAÑOL

La obra de Mohau Modisakeng para The Wellbeing Summit for Social Change adopta la forma de una instalación de vídeo multicanal compuesta por pantallas individuales, cada una de las cuales representa una secuencia de tambores de agua ejecutada al unísono por cuerpos medio sumergidos en agua.

Un grupo de hombres y mujeres (enmarcados individualmente por las pantallas) ejecutan la rutina del tambor con sus manos y puños ahuecados, que producen diferentes sonidos al golpear la superficie del agua. Estas acciones, realizadas al unísono, crean un coro de sonidos caracterizado por el chapoteo y el goteo del agua que recuerda el paisaje sonoro del océano y sus olas aplastantes.

La obra también incluirá un espectáculo de danza coreografiada en vivo que girará en torno a grandes bañeras galvanizadas llenas de agua hasta el borde.

SANACIÓN Y EL TAMBOR

El proyecto explora la correlación entre el tambor (canción y canto o Ingoma en isiZulu), el océano y la memoria ancestral en el contexto africano. La obra combina la metáfora del tambor como medio de comunicación a través del tiempo, el espacio y las dimensiones, con la metáfora del océano como lugar de profecía y curación, y depósito de la memoria ancestral.

Como instrumento de percusión, el tambor se ha utilizado históricamente en el contexto africano como medio de comunicación; una especie de telegrama sonoro utilizado para enviar mensajes de ida y vuelta entre comunidades vecinas lejanas. El tambor es también un instrumento de práctica ritual en el contexto africano. Se toca en diversas reuniones culturales y espirituales, a menudo marcando momentos de adivinación, luto, curación y celebración en una comunidad.

El océano ha sido testigo del desplazamiento/pasaje masivo de personas entre continentes durante muchos siglos. En algunos casos, los viajes se han realizado para explorar o realizar empresas coloniales, en otros para escapar de la persecución, en otros para buscar refugio, y para muchos otros el océano representa el umbral entre el hogar y el exilio, la libertad y la esclavitud.

Para los negros del Atlántico, el océano representa simultáneamente un lugar de trauma. Sólo la trata transatlántica de esclavos es responsable del desplazamiento masivo de millones de vidas que se desarraigaron y perdieron en su tránsito hacia el nuevo mundo. Para las personas de herencia africana, el océano también representa un lugar de memoria ancestral y de curación. En el contexto africano, los bautismos, las iniciaciones Sangoma y otros rituales de limpieza se realizan regularmente en el océano, donde se cree que residen diversos espíritus.

THE WATER DRUMMER combina la metáfora del tambor como medio de comunicación a través del espacio y el tiempo, y el océano como tambor o una especie de portal hacia el reino de la memoria ancestral y los espíritus mediados por el mar y sus corrientes.

Yazmany Arboleda - The Hospital for the Soul

About El Hospital Pal’Alma

Location: Doña Casilda Park
OPEN TO THE PUBLIC
Date: May 31 – June 3

WHAT IS IT?

The Hospital for the Soul is a site-specific art installation created by artist Yazmany Arboleda in collaboration with residents from Bilbao, Spain. For 11 days, visitors will be able to see the reflection of Magnolia Tree #5, the Biscay Sky, themselves, and anyone else present in a specially-created room in the center of Casilda Iturrizar Park. The temporary mirrored interior invites participants to reflect on our interdependence with nature.

The space is created in response to the generational trauma caused by the Spanish Civil War and its aftermath. Most people who participated in the co-crafting of the Hospital shared that they are still dealing with pain related to the outcomes of the war. Our temple to a tree is meant to be a place where we can look at our place on the earth and be astonished.

The project was commissioned by the Well-Being Project as part of the first global event bringing together social change, governmental, arts and business leaders working at the intersection of social change and inner wellbeing.

ORIGIN STORY

The idea for the Hospital for the Soul begins with the people of Bilbao. In the fall of 2019, under the leadership of respected psychologist Judith Heming, residents from a broad range of communities were invited to participate in a series of Constellation Therapy sessions. Constellations is a therapeutic technique used to reveal the underlying dynamics of a dysfunctional or problematic situation.

To begin, Judith would always ask, “What is your heart’s deepest desire?” Sitting and listening to Bilbao residents from all walks of life, I heard stories of heartache: losing parents in the war and orphaned children who could not speak their grandparents’ language at school. The impact of pain and suffering on children and later generations is called ‘repeated suffering’. The later generations are connected to those who survived, or to those who didn’t. Many carry visible grief that the collective has chosen not to see because that grief seemed impossible to deal with.

During one of the early sessions, Anne, a nurse from Elorrio, a nearby village, said that what her family needed now more than ever was a hospital para el alma: a place where the rain could cleanse the generational trauma that many families have endured since the war.

From this moment, the original idea for the hospital for the soul was born: a sequence of rooms in which our encounters with nature transform us: a room for the heart of the nose, a room with a string quartet that only plays when it’s raining, a room to listen to the sky. We bow down to go through each door to honor who we are to become in that new space and to honor what’s to come even though we have yet to meet it.

All of these spaces were distilled into a singular room celebrating a singular tree in the center of Bilbao: a space that celebrates the healing power of nature through personal and communal reflection. The wellbeing project again and again invites us to contemplate our relationship to ourselves, to our families and to the earth. Being inside a structure that mirrors the magnificence of nature (the tree and sky) makes us instantly aware of and sensitive to our interdependence. Our singular earth provides many paths towards healing. This singular gesture is an invitation to meet a tree, the sky, yourself and others.

LOCATION MAP

ESPAÑOL

Sobre Hospital Pal’Alma

¿DE QUÉ TRATA?

El Hospital pal’ Alma es una instalación artística específica creada por el artista Yazmany Arboleda en colaboración con residentes de Bilbao, España. Durante 11 días, los visitantes podrán ver el reflejo del Árbol de las Magnolias nº 5, el Cielo de Vizcaya, ellos mismos y cualquier otra persona presente en una sala especialmente creada en el centro del Parque Casilda Iturrizar. El interior temporal con espejos invita a los participantes a reflexionar sobre nuestra interdependencia con la naturaleza.

El espacio se crea como respuesta al trauma generacional causado por la Guerra Civil española y sus secuelas. La mayoría de las personas que participaron en la elaboración del Hospital compartieron que todavía están lidiando con el dolor relacionado con los resultados de la guerra. Nuestro templo a un árbol pretende ser un lugar donde podamos mirar nuestro lugar en la tierra y asombrarnos.

El proyecto fue encargado por el Wellbeing Project como parte del primer evento global que reúne a líderes del cambio social, gubernamentales, artísticos y empresariales que trabajan en la intersección del cambio social y el bienestar interior.

ORIGEN DE LA HISTORIA

La idea del Hospital pal’ Alma comienza con la gente de Bilbao. En el otoño de 2019, bajo el liderazgo de la respetada psicóloga Judith Heming, se invitó a los residentes de una amplia gama de comunidades a participar en una serie de sesiones de Terapia de Constelaciones. Las constelaciones son una técnica terapéutica utilizada para revelar la dinámica subyacente de una situación disfuncional o problemática.

Para empezar, Judith siempre preguntaba: “¿Cuál es el deseo más profundo de tu corazón?”. Sentada y escuchando a bilbaínos de toda condición, oí historias de dolor: la pérdida de los padres en la guerra y los niños huérfanos que no podían hablar el idioma de sus abuelos en la escuela. El impacto del dolor y el sufrimiento en los niños y en las generaciones posteriores se llama “sufrimiento repetido”. Las generaciones posteriores están conectadas con los que sobrevivieron, o con los que no lo hicieron. Muchas llevan un dolor visible que el colectivo ha decidido no ver porque ese dolor parecía imposible de afrontar.

Durante una de las primeras sesiones, Anne, una enfermera de Elorrio, un pueblo cercano, dijo que lo que su familia necesitaba ahora más que nunca era un hospital para el alma: un lugar donde la lluvia pudiera limpiar el trauma generacional que muchas familias han soportado desde la guerra.

De ese momento nació la idea original del hospital para el alma: una secuencia de habitaciones en las que nuestros encuentros con la naturaleza nos transforman: una habitación para el corazón de la nariz, una habitación con un cuarteto de cuerda que sólo toca cuando llueve, una habitación para escuchar el cielo. Nos inclinamos para atravesar cada puerta para honrar en quién nos vamos a convertir en ese nuevo espacio y para honrar lo que está por venir aunque aún no lo conozcamos.

Todos estos espacios se destilan en una sala singular que celebra un árbol singular en el centro de Bilbao: un espacio que celebra el poder curativo de la naturaleza a través de la reflexión personal y comunitaria. El proyecto de bienestar nos invita una y otra vez a contemplar nuestra relación con nosotros mismos, con nuestras familias y con la tierra. Estar dentro de una estructura que refleja la magnificencia de la naturaleza (el árbol y el cielo) nos hace instantáneamente conscientes y sensibles a nuestra interdependencia. Nuestra singular tierra ofrece muchos caminos hacia la curación. Este gesto singular es una invitación al encuentro con el árbol, el cielo, con uno mismo y con los demás.

MAPA DE LOCALIZACIÓN

Shirley Tse - Quantum Shirley Series: Meditating is Porting to a Blissful version of Ourselves

With a focus on creating visuals that inspire people to imagine, and based on her experience while practicing meditation, Shirley Tse’s work for the Wellbeing Summit for Social Change is a free-standing sculpture, a portal that is comprised of 5 rings: they can be interpreted as the five kinds of brainwaves (gamma, beta, alpha, theta and delta) or the five elements in Tibetan prayer flags.

Location: Euskalduna
OPEN TO THE PUBLIC. Visits available upon pre-registration only.
Date: May 31 – June 3

The artwork will be exhibited at the core of the event, at Palacio Euskalduna.

“After my last project “Stakeholders”- a solo exhibition representing Hong Kong at the 58th Venice Biennale in 2019- I have been thinking about the biggest stake we all hold as stakeholders is the climate crisis. My current work contemplates all forms of sustainability: our environment, our energy use, our mental health and our economic disparity. The question of “what does a sustainable art practice look like” is at the center of my current work.” – Shirley Tse

“Quantum Shirley Series” is an ongoing series exploring different perceptions of realities, using quantum physics’ many worlds theory to pivot different outcomes of personal and historical narratives.

Hong Kong-born and Los Angeles-based, Shirley Tse was the first woman artist to present a solo show at the Hong Kong Pavilion at the Venice Biennale 2019. Her sculptures and installations have been shown internationally at places such as the Osage Kwun Tong in Hong Kong and Murray Guy in New York. She was named a Guggenheim fellow in 2009 and currently teaches at the California Institute of the Arts.

ESPAÑOL

Centrada en la creación de elementos visuales que inspiren a la gente a imaginar, y basada en su experiencia durante la práctica de la meditación, la obra de Shirley Tse para The Wellbeing Summit para el Cambio Social es una escultura independiente, un portal compuesto por 5 anillos: pueden interpretarse como los cinco tipos de ondas cerebrales (gamma, beta, alfa, theta y delta) o los cinco elementos de las banderas de oración tibetanas.

La obra se expondrá en el centro del evento, en el Palacio Euskalduna.

“Después de mi último proyecto “Stakeholders” -una exposición individual que representó a Hong Kong en la 58ª edición de la Bienal de Venecia en 2019- he estado pensando en que la mayor apuesta que todos tenemos como partes interesadas es la crisis climática. Mi trabajo actual contempla todas las formas de sostenibilidad: nuestro medio ambiente, nuestro uso de la energía, nuestra salud mental y nuestra disparidad económica. La cuestión de “cómo es una práctica artística sostenible” está en el centro de mi trabajo actual.” – Shirley Tse

“Quantum Shirley Series” es una serie en curso que explora diferentes percepciones de las realidades, utilizando la teoría de los muchos mundos de la física cuántica para hacer pivotar diferentes resultados de narrativas personales e históricas.

Nacida en Hong Kong y establecida en Los Ángeles, Shirley Tse fue la primera mujer artista en presentar una exposición individual en el Pabellón de Hong Kong en la Bienal de Venecia 2019. Sus esculturas e instalaciones se han expuesto internacionalmente en lugares como el Osage Kwun Tong de Hong Kong y el Murray Guy de Nueva York. Fue nombrada becaria Guggenheim en 2009 y actualmente enseña en el Instituto de Artes de California.

nikhil-chopra-what has love got to do with it

Nikhil Chopra’s participation in the Summit involves a residency period and a 2-day long performance, during which the artist will engage in both everyday actions, and the creation of a monumental drawing and atmospheric mise en scene.

Location: Aldama Fabre
OPEN TO THE PUBLIC
Date: June 2 – 3
Time: 10am – 10am CET. 24 hour performance

On the second day, the performance will incorporate Bilbao’s citizens and Summit attendees around a celebration of community and art. The paintings, drawings and other objects created along these actions are a residual component of the performance. Bending gender, shape and identity, India’s best known performance artist uses personal history to question nationhood and existentialism.

Born in Kolkata and based in Goa, Nikhil Chopra’s art focuses on performance. The body becomes a tool and canvas for art. He is best known for durational performances in which he takes on the persona of different characters, inspired by personal familial history and national, regional and colonial histories.

Nikhil Chopra has performed and exhibited his art before a global audience since the mid 2000s. His art has featured in gallery and institutional shows, art fairs, and other major art events worldwide. In the live performance “Lands, Waters, and Skies” (2019), the artist worked in the galleries of The Metropolitan Museum of Art for nine consecutive days, adopting various personae and critically engaging with the museum’s collection and its organizational principles.

ESPAÑOL

La participación de Nikhil Chopra en la Cumbre implica un periodo de residencia y una actuación de dos días de duración, durante la cual el artista realizará tanto acciones cotidianas como la creación de un dibujo monumental y una puesta en escena atmosférica.

En el segundo día, la presentación incorporará a los ciudadanos de Bilbao y a los asistentes a la Cumbre en torno a una celebración de la comunidad y el arte.Las pinturas, dibujos y otros objetos creados a lo largo de estas acciones son un componente residual de la actuación. Doblando el género, la forma y la identidad, el artista de performance más conocido de la India utiliza la historia personal para cuestionar la nación y el existencialismo.

Nacido en Calcuta y establecido en Goa, el arte de Nikhil Chopra se centra en la representación. El cuerpo se convierte en una herramienta y un lienzo para el arte. Es conocido por sus actuaciones de larga duración en las que adopta la personalidad de distintos personajes, inspirados en su historia familiar y en la nacional, regional y colonial.

Nikhil Chopra ha actuado y expuesto su arte ante un público mundial desde mediados de la década de 2000. Su arte ha aparecido en galerías y exposiciones institucionales, ferias de arte y otros importantes eventos artísticos en todo el mundo. En la obra en vivo “Lands, Waters, and Skies” (2019), el artista trabajó en las galerías del Museo Metropolitano de Arte durante nueve días consecutivos, adoptando varios personajes y comprometiéndose críticamente con la colección del museo y sus principios organizativos.

Miroslaw’s proposal for the Wellbeing Summit for Social Change consists of an installation of 30 bells, representing different cultures, along the handrails of the core venue of the Wellbeing Summit.

Location: Euskalduna
OPEN TO THE PUBLIC, Visits available upon pre-registration only.
Date: May 31 – June 3

Participants will be invited to create gentle sounds as they transit through the Euskalduna building ́s open spaces, moving between spaces of encounter. The bell holders are designed to keep the bells accessible without interrupting the natural flow of the public, on the outside of the walkways.

Exploring human nature, as well as individual and collective memory, Miroslaw Balka creates works that address universal themes in a powerfully evocative way. The artist poetically captures the strength and melancholy of living, and consequently inspires us to reflect on our own lives.

Born in Warsaw and based between Spain and Poland, Balka is a sculptor also active in the field of experimental video and drawing. He has participated in major exhibitions worldwide including the Venice Biennale (1990, 2003, 2005, 2013, representing Poland in 1993) or Documenta IX (1992), and has presented solo shows in Akademie der Künste, Berlin and the Center for Contemporary Art Vinzavod, Moscow, among many others.

ESPAÑOL

La propuesta de Miroslaw para la Cumbre de The Wellbeing para el Cambio Social consiste en una instalación de 30 campanas, que representan diferentes culturas, a lo largo de las barandillas de la sede central de la Cumbre.

Se invitará a los participantes a crear sonidos suaves mientras transitan por los espacios abiertos del edificio Euskalduna, moviéndose entre espacios de encuentro. Los soportes de las campanas están diseñados para mantenerlas accesibles sin interrumpir el flujo natural del público, en el exterior de las pasarelas.

Explorando la naturaleza humana, así como la memoria individual y colectiva, Miroslaw Balka crea obras que abordan temas universales de forma poderosamente evocadora. El artista capta poéticamente la fuerza y la melancolía de la vida y, en consecuencia, nos inspira a reflexionar sobre nuestras propias vidas.

Nacido en Varsovia y afincado entre España y Polonia, Balka es un escultor también activo en el campo del vídeo experimental y el dibujo. Ha participado en importantes exposiciones en todo el mundo, como la Bienal de Venecia (1990, 2003, 2005, 2013, representando a Polonia en 1993) o la Documenta IX (1992), y ha presentado exposiciones individuales en la Akademie der Künste de Berlín y el Centro de Arte Contemporáneo Vinzavod de Moscú, entre muchas otras.

The artist’s work for the Summit centers around pieces from her concrete sculpture series, Core.

Location: Museo de Bellas Artes
OPEN TO THE PUBLIC
Date: May 31 – June 13

Time: Outside: 24h

Inside: May 31st: 6pm – 9.30pm

June 1st & 2nd: 10am – 2.30 pm + 5pm – 7pm

June 3rd: 10am – 2.30 pm

A film by Maddi Barber documenting the path of the raw material towards its transformation into cement and art pieces, as well as interactions of performers with the artist’s sculptures will be premiered during the Summit at the Museo de Bellas Artes in Bilbao.

June will also produce three new, related works to be placed in a public space and used as a playground, a place to contemplate or to ‘dance’ with the pieces that remind us of the interplay between what is absolute and grounded, and the ephemeral and elusive.

As an acclaimed artist who lives and works in Bilbao – Biscay, June Crespo sculpts with materials such as fabric, concrete, fiberglass, plaster, and wax. Solo and group exhibitions in many countries and multiple awards have secured June Crespo’s place as one of the most thoughtful and inventive artists of her generation. Her works are part of the collection of Artium and Museo Reina Sofía, among others.

June Crespo’s work appeals to the infrastructure of the pieces, where what’s visible to the eye is what supports, the basis, the foundation, the conditions that allow for a relationship to emerge, either literally -as a combination of materials-, or conceptually.

ESPAÑOL

El trabajo de la artista para The Wellbeing Summit se centrará en piezas de su serie de esculturas de hormigón, Core.

June Crespo producirá cinco nuevas obras, que se colocarán temporalmente junto al Museo de Bellas Artes y será utilizadas por el público como zona de recreación, lugar de descanso y contemplación, o como un lugar para “bailar” con las piezas que actúa como recordatorio de la interacción en nuestras vidas entre lo que es absoluto y arraigado, con lo efímero y esquivo.

Una película realizada en colaboración con Maddi Barber, una cineasta de Pamplona, documentará el proceso de la elaboración de las piezas de hormigón y las interacciones con las obras de la artista, revelando aspectos de la superficie, la fricción y el tacto también como decodificación del ADN de los materiales. La película se estrenará como parte de la programación artística de la cumbre.

Como aclamada artista que vive y trabaja en Bilbao – Vizcaya, June Crespo esculpe con materiales como tela, hormigón, fibra de vidrio, yeso y cera. Exposiciones individuales y colectivas en muchos países y múltiples premios han asegurado el lugar de June Crespo como una de las artistas más reflexivas e inventivas de su generación. Sus obras forman parte de la colección de Artium y del Museo Reina Sofía, entre otros.

HIMALI SINGH SOIN – ANCESTORS OF THE BLUE MOON

Himali Singh Soin’s work for the Wellbeing Summit has three parts – a pocketbook of flash fiction dispatches; an atmospheric space in which a visitor is invited to contemplate and journey; a multi-sensory performance experience.

Location: Azkuna Zentroa – Bastida
OPEN TO THE PUBLIC
Date: May 31 – June 3
General Opening: May 31st, June 1rst and June 2nd: 4pm – 8pm

June 3rd: 10am – 12pm

Performance Times: May 31st: 7.15pm – 7.45pm

June 2nd: 6.45pm – 7.15pm

Ancestors of the blue moon draws on research into Himali’s namesake, the Himalayas, and its animistic rituals and remedies, mystical geometries, old-new materialisms and spirit realisms. These flash fictions are from the perspective of remote or forgotten deities. Deities protected by rites of secrecy or left out of archives. Deities invisible and formless. Deities incarnated as ruined objects, dangerous aspects or shadowy energies. They flow through our contemporary timescape, recounting the world they witness. The 13 dispatches that form the pocketbook signify the Tibetan Buddhist conception of the layers of the astral world and the years it takes to transform linear time into mythical time.

At the Wellbeing Summit, Himali will introduce another deity from the Basque Country, Mairu, the supernatural spirit of thresholds. Individual dispatches have been reimagined by Himali to form a series of curtains that invite the visitor to journey through the space and join the artist along with drummer, composer and performance artist David Soin Tappeser for a daily ritual that includes a gong bath, readings and communal tea.

ESPAÑOL

La obra de Himali Singh Soin para The Wellbeing Summit consta de tres partes: un libro de bolsillo de relatos de ficción; un espacio atmosférico en el que se invita al visitante a contemplar y viajar; y una experiencia de actuación multisensorial.

Ancestors of the blue moon se basa en la investigación sobre su homónimo, el Himalaya, y sus rituales y remedios animistas, geometrías místicas, materialismos antiguos y nuevos y realismos espirituales. Estas ficciones instantáneas son desde la perspectiva de deidades remotas u olvidadas. Deidades protegidas por ritos de secreto o dejadas fuera de los archivos. Deidades invisibles y sin forma. Deidades encarnadas como objetos en ruinas, aspectos peligrosos o energías sombrías. Fluyen por nuestro paisaje temporal contemporáneo, relatando el mundo del que son testigos. Los 13 despachos que forman el libro de bolsillo significan la concepción budista tibetana de las capas del mundo astral y los años que se necesitan para transformar el tiempo lineal en tiempo mítico.

En The Wellbeing Summit, Himali presentará otra deidad del País Vasco, Mairu, el espíritu sobrenatural de los umbrales. Los despachos individuales han sido reimaginados por Himali para formar una serie de cortinas que invitan al visitante a viajar a través del espacio y unirse al artista junto con el baterista, compositor y artista de performance David Soin Tappeser para un ritual diario que incluye un baño de gong, lecturas y té comunitario.

SCIENTIA, Grimanesa’s work for the Wellbeing Summit in Bilbao, is a monumental, site-specific light sculpture that will be installed at the Atrium of Azkuna Zentroa, opening for the Summit and remaining in place throughout the summer of 2022.

Location: Azkuna Zentroa – Atrium
OPEN TO THE PUBLIC
Date: May 31 – August 30
Time: 9am – 9pm

Creating monumental sculptures often makes Amorós consider how our environment affects our state of mind and well-being. Her new site-specific light sculpture SCIENTIA will engage visitors in a dialogue with the surrounding architecture and community, encouraging moments of self-reflection and personal realization while simultaneously creating connection through the medium of light.

The project’s name SCIENTIA is a Latin word meaning knowledge and knowing, experience and expertise, but going beyond a personal understanding. The word implies a socially interactive activity, the seeking and sharing of knowledge. This artwork will explore the human connection using our elemental knowledge of the world: fire, water, earth, and light. Through this primordial immersion, SCIENTIA provides a means of accessing our emotional selves within a manifested mental space that nurtures well-being and promotes community engagement.

Grimanesa Amorós was born in Lima, Peru, and lives and works in New York City. She is an interdisciplinary artist whose diverse interests include social history, scientific research, and critical theory. A direct relationship to technology is one of the distinctive features of Amorós’ practice. Her works incorporate video, lighting, and technological elements to create monumental sculptures involving architecture and engaging communities.

ESPAÑOL ESPAÑOL

SCIENTIA, la obra de Grimanesa para The Wellbeing Summit, es una escultura de luz monumental y específica para el lugar que se instalará en el Azkuna Zentroa, que se inaugurará para la Cumbre y permanecerá en el lugar durante todo el verano de 2022.

La creación de esculturas monumentales hace que Amorós se plantee a menudo cómo nuestro entorno afecta nuestro estado de ánimo y bienestar. Su nueva escultura lumínica SCIENTIA, específica para el lugar, hará que los visitantes entablen un diálogo con la arquitectura y la comunidad circundantes, fomentando momentos de autorreflexión y realización personal y creando al mismo tiempo una conexión a través del medio de la luz.

El nombre del proyecto, SCIENTIA, es una palabra latina que significa conocimiento y saber, experiencia y pericia, pero que va más allá de la comprensión personal. La palabra implica una actividad socialmente interactiva, la búsqueda y el intercambio de conocimientos. Esta obra de arte explorará la conexión humana utilizando nuestro conocimiento elemental del mundo: fuego, agua, tierra y luz. A través de esta inmersión primordial, SCIENTIA proporciona un medio para acceder a nuestro yo emocional dentro de un espacio mental manifiesto que nutre el bienestar y promueve el compromiso de la comunidad.

Grimanesa Amorós nació en Lima, Perú, y vive y trabaja en Nueva York. Es una artista interdisciplinar cuyos diversos intereses incluyen la historia social, la investigación científica y la teoría crítica. La relación directa con la tecnología es uno de los rasgos distintivos de la práctica de Amorós. Sus obras incorporan vídeo, iluminación y elementos tecnológicos para crear esculturas monumentales que implican a la arquitectura y comprometen a las comunidades.

Filmed at the Institute of Fine Arts of Dhaka, Bangladesh, and shown at The Wellbeing Summit for Social Change, Daniel’s Fog Dog follows the daily and nightly activities of a group of stray dogs that live in the school.

Location: Guggenheim Bilbao
OPEN TO THE PUBLIC
Date: June 1 – June 3

Time: 11am – 7pm

The building was designed by pioneering Bangladeshi architect Muzharul Islam (1923-2012) and is characterized by the organic relationship between its interior and the surrounding green urban spaces. The dogs’ daily existence connects with many presences and signs – students and guardians, birdcalls and car horns, broadcasts, and spiritual entities – which coexist more and less harmonically with one another. The film is an exploration of interdependencies and how our attitudes affect everyone else – as such, it is a vivid and compelling commentary on the interconnected nature of collective Wellbeing.

Born in Barcelona, Daniel Steegman lives and works in Rio de Janeiro. From drawing to film, passing through
sculpture, installation and landscape interventions, Daniel Steegmann Mangrane’s work questions our relationship to the environment and invites the viewer to be physically involved in his projections and displacements. His video pieces and installations engage with the imagination of the spectator and often traces the boundary where nature meets artifice.

Daniel’s recent solo shows include Dog Eye, Kunsthalle Münster, Münster, Germany (2020); A Leaf-Shaped Animal Draws The Hand, Pirelli HangarBicocca, Milan (2019); Ne voulais prendre ni forme, ni chair, ni matière, Institut d’Art Contemporain de Villeurbanne, Villeurbanne (2019). His work has been also featured at the group shows Liverpool Biennial (2021); Taipei Biennial (2020); Concrete Contemporary, Museum Haus Konstruktiv, Zürich (2019).

ESPAÑOL

Filmada en el Instituto de Bellas Artes de Dhaka, Bangladés; Fog Dog de Daniel Steegmann Mangrané sigue las actividades diurnas y nocturnas de un grupo de perros callejeros que viven en la facultad.

El edificio fue diseñado por el pionero arquitecto bangladés Muzharul Islam (1923-2012) y se caracteriza por su orgánica relación entre su interior y los espacios verdes urbanos que lo rodean. La existencia diaria de los perros conecta con muchas presencias y señales (alumnos y guardianes, cantos de pájaros, bocinas de coches, emisiones y entidades espirituales) que coexisten más o menos armónicamente entre sí.

La película es una exploración de las interdependencias y como las actitudes afectan a todos los demás; como tal es un comentario vívido y convincente sobre la naturaleza interconectada del bienestar colectivo.

Nacido en Barcelona, Daniel Steegman vive y trabaja en Río de Janeiro. Desde dibujar, hasta filmar, pasando a través de esculturas e instalación e intervenciones paisajísticas, el trabajo de Daniel Steegmann Mangrane cuestiona nuestra relación con el ambiente e invita al espectador a estar envuelto físicamente en sus proyecciones y desplazamientos. Sus piezas de video e instalaciones conectan con la imaginación del espectador y traza la barrera donde la naturaleza se encuentra con el artificio.

Entre sus obras en solitario más recientes se encuentran: Dog Eye, Kunsthalle Münster, Münster, Alemania (2020); A Leaf-Shaped Animal Draws The Hand, Pirelli HangarBicocca, Milán (2019); Ne voulais prendre ni forme, ni chair, ni matière, Instituto de Arte Contemporáneo de Villeurbanne, Villeurbanne (2019). Sus obras también ha sido publicadas en exhibiciones grupales: Liverpool Biennial (2021); Taipei Biennial (2020); Concrete Contemporary, Museum Haus Konstruktiv, Zúrich (2019).

Carlos Garaicoa’s installation for the Wellbeing Summit for Social Change Soñamos en la superficie rayada de un cristal- will be created using multiple traffic poles with rear-view car mirrors and traffic safety security mirrors.

Location: Ercilla pedestrian St 35
OPEN TO THE PUBLIC
Date: May 31 – June 6

They will be silk-screened with messages and some of them broken. The image of the city and the viewers will be reproduced and fragmented by these mirrors, composing a new view and encouraging engagement with an alternate reality.

Born in Cuba and based in Madrid, Carlos Garaicoa is best known for his references to architecture, real and imaginary, as his work often alludes to re-inventions of cities. The crumbling architecture of Havana unleashed his desire for utopian projects with architectural solutions. Carlos Garaicoa has exhibited extensively around the world, and his works have been included in major international and group exhibitions such as the Gwangju Biennale (Korea), the Venice Biennale and the Biennale of Sao Paulo, as well as Documenta XI and the Museum of Contemporary Art of Los Angeles. His work is part of various international public collections including Tate Modern (London) and the Museum of Modern Art (New York).

ESPAÑOL

La instalación de Carlos Garaicoa para Wellbeing Summit for Social Change “Soñamos en la superficie rayada de un cristal” se creará utilizando múltiples postes de tráfico con espejos retrovisores y espejos de seguridad.

Serán serigrafiados con mensajes y algunos de ellos rotos. La imagen de la ciudad y de los espectadores serán reproducidos y fragmentados por estos espejos, componiendo una nueva visión y fomentando el compromiso con una realidad alternativa.

Nacido en Cuba y establecido en Madrid, Carlos Garaicoa es mejor conocido por sus referencias a la arquitectura, real e imaginaria, puesto a que su obra a menudo alude a la reinvención de las ciudades. La arquitectura en ruinas de La Habana desencadenó su deseo de realizar proyectos utópicos con soluciones arquitectónicas. Garaicoa ha expuesto sus obras en todo el mundo, siendo incluidas en importantes exposiciones internacionales y colectivas como la Bienal de Gwangju (Corea), la Bienal de Venecia y la Bienal de Sao Paulo; así como en la Documenta XI y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. Su obra forma parte de varias colecciones públicas internacionales, incluyendo la Tate Modern (Londres) y el Museo de Arte Moderno (Nueva York).